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电子音乐的类型学与推荐样本

... 发表于 2006-12-17 12:39  ... 7975 次点击

电子音乐的类型学与推荐样本
对音乐进行分类是件有趣而又无聊的事,真正的音乐从来都不是因为有了分类才被音乐家创作出来的。对电子音乐进行分类可能尤其困难,因为越来越容易掌握的制作器材和技术,以及越来越发达的网络,可以使音乐瞬间就能传遍全世界。各种各样的音乐素材或样本可以越来越快地交媾、分裂、进化,变异成新的品种,它们彼此面貌迥异,又互相纠缠,要鉴别其中到底有哪些基因是原有的,哪些又是突变的,以及建立一个可以涵盖所有物种的类型学,完全是件不可能的任务。所以,对于以下的清单,也许只有这个标题最为合适:Everything and Nothing。

1.Pioneers(先驱)

撇开Stockhausen、Varese或是Xenakis不谈,电子音乐之所以能进入大众视野,全拜以下这些音乐人所赐。

— Kraftwerk《Trans-Europe Express》,1977:Krautrock阵营里最值得一听再听的唱片,以近乎冷漠的表达为技术歌功诵德。当《号外》做电子音乐特辑时,以黄耀明做模特克隆这张经典唱片封面的时候,《Trans-Europe Express》已不单单只是个电子音乐史上杰作,更是一种fashion icon了。

— Jean Michel Jarre《Oxygen》,1977:上世纪80年代,Jean Michel Jarre作为电子音乐大使在北京和上海的两场音乐会真是万人空巷,穿中山装的群众们和他热烈讨论Mozart和Beethoven的区别。重新聆听《Oxygen》,这部用古董电子乐器所炮制交响诗,回想到“万人空巷”这个词,实在没有把它妖魔化。

— Giorgio Moroder《E=MC2》,1980:Disco教父Giorgio Moroder的唱片最好是一张黑胶碟。Analogue时期的电子音乐到现在已成为新的chic。《E=MC2》从没有在唱片架上落过灰尘,一遍又一遍重访那个带有sci-fi情结的性感年代。

2. Ambient(环境音乐)

对于那些学究来说,环境音乐的开篇属于Erik Satie那臭名昭著的“家具音乐”。取消一切听觉兴奋点,会让你在不停等待副歌部分出现的时候,彻底陷入绝望。当然享受Ambient的第一要义便是按下play键,然后爱干嘛干嘛。

— Brain Eno《Ambient 1: Music for Airports》,1978:Brian Eno算是Ambient最名正言顺的创造者。《Music for Airport》里那些叫人辨不清方向的闲散音符一直如魑魅一般飘来荡去。相信如果把这张唱片与Brian Eno的另一张Ambient杰作《Discreet Music》对换,也没什么人能听出里面的区别。

— The Orb《The Orbs Adventure Beyond the Ultraworld》,1991:最初迷上是因为开篇的一曲“Little Fluffy Cloud”,如童话一般色彩斑斓,又充满奇诡想像。The Orb的Alex Peterson像是一不小心抖落了装载满童年回忆的口袋,各式各样的小玩意和纪念品,一古脑儿全掉了下来。

— Aphex Twin《Selected Ambient Works Vol. 2》,1994:“电子音乐领域的Mozart”这个头衔对于恶男Aphex Twin来说很贴切,尤其是这张《Selected Ambient Works Vol. 2》一如Mozart一般静谧而悠远。当然天才如Aphex Twin者,不仅自己能拼装出一台analogue合成器,甚至一个礼拜便能制作出塞满6张CD的音乐,实属天人。

3. Synth-pop(合成器流行曲)

Synth-pop甫一浮出水面的时候与Glam Rock的关系似乎更大一些,颠覆punk的艺术化流行小调,如在音乐里追寻Andy Warhol所带来的流行灵感。如今借由Electroclash咸鱼翻生的十几二十年前的电子口水歌,统统成了高档货。

— Tubeway Army《Replicas》,1979:这次Gary Numan并非以solo的样貌出现,所有人却把这张唱片归于伟大的奶油小生Gary Numan个人的名下。封面上Gary Numan顾影自怜的样子最叫人永生难忘。有异装癖的电音怪人Terre Thaemlitz也忍不住20年后用钢琴重新温习这张唱片,并且克隆出来的封面里,甚至那扇窗都是20年前一模一样的。

— Depeche Mode《Songs of Faith and Devotion》,1997:一直认为Depeche Mode有种积毁销骨,消磨意志的负面力量。那些具有分裂般美感的旋律与吟唱,一如在暗夜悠然飘出的一缕鸦片香,美得让人有犯错误的冲动。

— Pet Shop Boys《Please》,1986:放在整个Synth-pop阵营里来考察Pet Shop Boys,他们都算得上是异类,没有那些艺术青年所通常抱有的顾影自怜,反而干净得如青春期少年,并且十数年如一日,这点最值得骄傲。而《Please》里的“West End Girls”也绝对是Pet Shop Boys迄今为止最棒的歌。

4. House

一种disco音乐的变种,加上了4/4拍的电子节奏而成。就像朗姆酒是鸡尾酒的基酒一样,House是整个当代电子舞曲的基础形态,最容易在各大舞池里被听到。

— Leftfield《Leftism》,1995:House音乐在Leftfield这里开始跳脱出娱乐的功能,成为一种激进的音乐。朋克音乐借由Leftfield再度复活,John Lydon在“Burn Hollywood Burn”的叫嚣,使人回响起“UK Anarchy”。Leftfield对House的创造性改造,使之成为一张经典唱片,而非随时准备被淘汰的舞池单曲。

— Armand Van Helden《2 Future 4 U》,1998:Armand van Helden最著名的曲子可能是为Tori Amos的“Professional Widow”所做的mix。至于其后一张专辑《Killing Puritans》里拿德国重金属经典乐队Scorpions的乐曲做菜,改装成house单曲。其带点摇滚般重型风味的house也实在是该领域内少数派翘楚。

— Daft Punk《Home Work》,1997:若干年前,是Air乐队的《Moon Safari》以及Daft Punk的这张《Homework》,才使得巴黎成为电子音乐新的孵化阵地。一向擅长搞怪作乱的Daft Punk,把跳舞音乐归结为“狂热、简单、能量和效率”。《Homework》甫一推出,所有的舞池都在播放“Da Funk”。

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#1 - 2006-12-17 12:39
哇呀呀 地球
5. Big Beat

给电子音乐一点摇滚的刺激似乎是Big Beat诞生的所有原因。几乎摆脱了电子跳舞音乐里disco的传统,直接在摇滚里吸取灵感,使Big Beat一开始便成为了排行榜的宠儿。

— Prodigy《The Fat of the Land》,1997:关键是主唱的鸡冠头,让所有的punk乐迷在翻阅音乐杂志时,对这支乐队都颇有好感。当然,音乐里那punk式的唱腔,以及纵火狂般的酣畅淋漓,使Prodigy成为整个Big Beat运动里第一支最成功的乐队,其风头盖过1997所出的一切摇滚唱片,即便是正在浪尖上的Brit Pop也显得暗淡无光。

— Chemical Brothers《Dig Your Own Hole》,1997:像Chemical Brothers那样把节拍做到如化学试验般诡谲莫测的程度,是该专门为他们发明个“Chemical Beats”的专用分类学名词。收集齐所有来自《Dig Your Own Hole》的单曲唱片的无聊举动,也只可能发生当时的Chemical Brothers的身上。整个评论界对Chemical Brothers的专宠行为,也使其他一众Big Beat明星显得哗众取宠了一些。

— Fatboy Slim《Youve Come A Long Way, Baby》,1998:一天能收到4首单曲的混音定单,看来只能发生在Fatboy Slim身上。这张唱片的成功绝对为此推波助澜。化名为Fatboy Slim的Norman Cook最具娱乐大众的本领,同一时期他的单曲以及他为别人所作的混音单曲排着队上榜,使这张《Youve Come A Long Way, Baby》更像是张Big Beat的compilation唱片。

6. Techno

2/2拍的枯燥机械舞曲,源自Kraftwerk的灵感,却成为整个电子跳舞音乐里最核心的品种。对于死硬派的乐迷来说,Techno远比乖巧的其他乐种更纯粹,更刺激。

— Derrick May《Innovator》,1997:作为Techno的发源地底特律的3位创始人之一,Derrick May早已成为DJ界内的传奇性人物,在整个电子跳舞音乐不长的历史中,真正能走进殿堂的人还不算多。正当绝大多数人把Techno认作是时髦流行音乐里唯一源自白人的风格时,却往往忽视了几位Techno的创始人,兼最优秀的DJ均是黑人。Derrick May在《Innovator》里,那种反黑人传统的诗意的Techno最是行云流水般畅快。

— Underworld《Second Toughest in the Infants》,1996:英伦最具轰炸力的Techno组合当属Underworld,那种融进英伦气息的Techno最叫人怀念Syn-pop时期的好风景,只是更直白、更明确、更狠,也更精致。

— Plastikman《Consumed》,1998:正是因为Techno的节奏原型太简单,所以Plastikman对Techno的改造更具实验性,也更敏感。在《Consumed》晦涩的听感里,蕴涵了太多的细节变化,似乎是离大众远了,却更贴近Techno艺术的核心。

7. Trance

Trance被称作Techno的改良版,自Techno越来越往听不懂的方向发展时,Trance适时地为它加进了许多easy 的元素。

— Paul Van Dyk《Out There and Back》,2000:这张唱片里融进了最多欧陆流行曲的风味。在Paul Van Dyk身上,在机械的节奏上,加进几乎是浪漫的风情是Paul Van Dyk成为DJ明星的法宝。

— BT《ESCM》,1997:它被誉为是最具史诗般风格的Trance唱片,BT那种直接从new age里汲取灵感的Trance,确实具有摧枯拉朽的力量。

8. Acid Jazz(迷幻爵士)

这种诞生于1990年代初英国DISCO舞厅的电子音乐,似乎越来越成为爵士乐复兴的一个载体:让爵士乐重新回到舞池里。越来越多的爵士乐手加入到Acid Jazz阵营里,而越来越多的电子音乐制作人也开始越来越爵士化了。

— Us3《Hand on the Torch》,1993:这张据说是Blue Note历史上最畅销的唱片,大概也是Acid Jazz中最畅销的一张了。首张单曲“Cantaloop (Flip Fantasia)”使Herbie Hancock原作 “Cantaloop”成了街知巷闻的热门旋律。

— Gilles Peterson《INCredible Sound of Gilles Peterson》,1999:Gilles Peterson被誉为Acid Jazz运动的开国功臣,他不仅是世界级DJ,还是厂牌Acid Jazz的联合创始人,也是著名厂牌Talkin Loud的老板。是Acid Jazz最孜孜不倦的推广人。

— James Taylor Quartet《The Money Spyder》,1987:据说这支乐队才是Acid Jazz这个名词的创始人。无论如何,这个由与美国老牌民谣摇滚明星James Taylor同名的英国人领导的四重奏组合,是Acid Jazz舞台上最早也是最活跃的艺人之一,他们非常浓厚的Soul Jazz风格实际上在Acid Jazz之中树立了一个鲜明的标尺,并深深影响了很多后来的Acid Jazz乐队。

9. Trip-hop

有那么几年,Trip-hop阴暗的节奏不仅统治了英国乐坛,也成了全世界摇滚迷和艺人热烈追捧的对象。一段时间,英国人竟然要高喊“Trip-hop已死”,这只能表明:Trip-hop已经成为不可磨灭的音乐之血渗进了后来的电子音乐骨头之中。

— Massive Attack《Blue Lines》,1991;Portishead《Dummy》,1994;Tricky《Maxinquaye》,1995:对于Trip-hop三巨头的这3张几乎人人都有的处女作,还有什么好说的呢?还是把版面留给其它人吧。

— Moloko《Do You Like My Tight Sweater?》,1995:跟Portishead一样,这是一男一女两人组合;跟Portishead完全不同,这个组合玩的尽管也是Trip-hop,却有着少有的幽默感,一听起他们懒洋洋的滑稽歌曲,就会忍不住笑着手舞足蹈起来。

10. Abstract Hip Hop(抽象嘻哈)

Hip Hop升级版,把Hip Hop最核心的部分拿出来作实验,反而最远离原初的黑人音乐根源,从而把Hip Hop带出贫民窟。

— DJ Shadow《Entroducing......》,1996:Abstract Hip Hop里最经典的唱片,DJ Shadow那如魔术一样的双手化一切腐朽为神奇。那种复杂编排,以及将scratch技术发挥到极致的聪明构思,使这张唱片今天听来也仍犀利无比。

— DJ Krush《Zen》,2001:DJ Krush可能是日本向世界输送的最大Hip Hop明星了。那种具有异国情调的Hip Hop化学配方最是绕过具有意识形态特质的黑人根源,而直达Hip Hop音乐本身。其实很难分清部分Abstract Hip Hop与Trip Hop的区别,在DJ Krush身上也不例外,只是这样一种音乐上的cross over的尝试,似乎是Hip Hop走出自身藩篱的绝妙尝试。

— Antipop Consotium《Tragic Epilogue》,2000:Antipop Consotium更加实验得厉害,那种原初Hip Hop里粗野的rap已被知识分子化政治宣言以及美学主张所取代,其表达的内容更深刻,在音乐上也积极向实验跳舞音乐靠拢,想像力更加丰富了。

11. Drum N Bass

跳舞音乐的加速版,身体不一定能跟得上节奏的速度。流行的时间并不算长,便被相对温和的UK Garage所取代。

— Roni Size & Reprazent《New Forms》,1997:自称创造了“叫人得心脏病的舞曲”,这样一支全明星阵容所组成的Drum N Bass乐队,当年该专辑一推出,便力排Radiohead、Prodigy,以及Chemical Brothers这类浪尖人物,摘得专门表彰创新艺人的Mercury音乐大奖。正如其标题所昭示的,Roni Size Reprazent的音乐以全新的形式感超越了Drum N Bass创始人Goldie

— Photek《Modus Operandi》,1997:Photek的Drum N Bass则更黑暗幽深,不讲究乖张突兀的奇诡细节,反而将其简化到如Ambient般营造氛围的境界,一如观看一部黑白间谍电影,紧张与压抑的气氛在这张专辑里挥之不去。

— Talvin Singh《OK》,1998:Talvin Singh将印度传统音乐与Drum N Bass节奏嫁接到了一起,使传统、异国情调、以及在当时来说最尖端的电子跳舞音乐汇聚到了一起,所有的这些时髦元素,使这张《OK》成为当年最具创意的专辑。

12 . Electroclash

新近的时髦电子音乐,融进行为艺术、戏剧表演,源自punk或Synth-pop的上世纪70年代末音乐审美重新成为今天新的时尚。

— Fischerspooner《#1》,2002:作为Electroclash运动里最大的明星Fischerspooner,他们将美妙的音乐、绚丽的服饰、强劲的视频设备以及戈戈舞女们的表演完美地结合在一起。由Fischerspooner所代表的Electroclash是一场充满DIY精神的运动,它借用大摇滚乐队那样极度风格化的表现形式,使俱乐部文化与先锋表演艺术亦得以复兴。
#2 - 2007-4-9 07:45
boogiewoogie 地球
学习ING,,,,,
看完之后有话想说?那就帮楼主加盖一层吧!

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